THE BAGGIO LAB

所有现代艺术的作品中，其在今天的广泛认知度能够超过Edvard Munch爱德华·蒙克代表作“The Scream 尖叫”的很少。这幅画完成与1893年，并于1895年完成平面印刷。也许他不如其他的画家那么有名，但蒙克的这幅作品被复制得比其他任何画作都多：背景是Fjord港和背后的奥斯陆日落时的天际线，前景是一个扭曲的人的形象，双手举起捧着头，嘴的形状如同在发出尖叫。似乎是在预测即将到来的20世纪，史无前例的恐怖、暴力、野蛮统统融入并结晶于这幅充满紧张和恐惧的强烈画面中。

蒙克这幅画的灵感来源于1890年时的个人经历，当时他与两个朋友在日落时来到Fjord港：“天际线变成血红色，我感受到强烈的悲伤。我站在那里，累得要死。蓝黑色的Fjord港和城市的上空，悬挂着血红色的火舌。我的朋友继续向前走，而我站着不动，惊恐得发抖。我感觉到自然中的强烈地尖叫。”他在表达一种联动的感觉，自然中的形态正在吞并人形轮廓的动作，并与尖叫共同颤动，同时否定了这个人的一切独立性和身份。蒙克的另一幅类似的画“Despair绝望”也引发了探讨，画中反射了克尔恺郭尔对绝望的分析“至死而终的病态”，在完全失去了生活的希望和信仰之后引发的精神自我摧毁的过程。

当他在1893年展出这幅画的时候，蒙克将它作为一个命名为“爱情”的作品集的收尾。这个系列追溯了一个男人和一个女人之间爱情的开始和发展，从一开始的相互吸引，到接吻，再到最后的圆满结局，就像在画作“Madonna”中表现的那个女人，孕育了新的生命，拒绝男人，引发了嫉妒，从而导致了绝望的诞生。之后，蒙克扩展了这个系列，加入了疾病和死亡的主题，将其串成一个没有开始和结束的循环。他在一个房间中将这些画环绕四壁展示，以这种方式表达人类的爱情，生命的持续和死亡，以及假设在一个物质不灭的一元论宇宙中的非宗教的永生。在之后的人生中，蒙克不断为“Frieze of Life生命之循环”系列加入新的画作，从未允许这个系列走向终结。

尼采、叔本华、克尔恺郭尔、易卜生、斯特林堡是影响蒙克对性吸引和繁殖的形而上学思考的主要人物，与他们一样，蒙克把浪漫主义和象征主义的概念推向了极致。不论其极端的主题、象征主义的理想、弯曲的风景、借鉴新艺术主义式的线条，“Scream尖叫”以其浓重的笔刷和平色的条纹、刻意强调的丑化和不和谐、对通往疯狂的极端精神境界之描述，成为20世纪表现主义的典型。如同是预言，蒙克过早地使用了20世纪的语言进行作画和表达。

1893年，当保罗·高更带着60幅画结束他的首次Tahiti之旅返回巴黎的时候，他极为确信这些画的展出将成为他的一次极大的成功。而事实却令他失望之极，评论界和公众一如既往的对他的画作出了反应：误解和嘲笑。他的“Beautiful land”中的“Brown Eva”被嘲笑成一只雌性猿猴，尽管他在这幅画中成功地将西方的标准肖像画法与他本人的新式平面化的醒目着色画法相融合。但高更不理会他生活中的反面声音，决然回到了太平洋的群岛上继续创作，直至他去世。

1897年终的时候，他开始创作一幅13英尺宽的巨型画作，直接画在画布上，不打任何草稿：我们从哪来?我们是谁?我们要去哪？“我为这个主题创作了一幅哲学作品，完全可以与那些圣人媲美。我相信它会获得成功。”他之后在一封写给挚友Daniel de Monfreid的信中提到，并持续的与他通信汇报：“顶端的两个角涂成铬黄色，题词写在左上角，我的签名在右上角，就好像是一幅画在金色背景上的壁画，两个角剥落了。”

这幅画整体的构图由三群人组成。右边，三个女人和一个小孩代表了出生和童年。当中，一个女人正在采摘一个苹果。高更用这个来隐喻圣经中关于伊甸园和堕落的故事。夏娃从知识之树上摘下苹果，然后获知了自然之爱，同时也让她陷入原罪。画面的最左边蹲着一个古代女人，象征着死亡。

画面放射出一种宁静祥和的感觉。主要的人物被分为三个不同的水平高度，形成了画面的纵深感。着色被刻意的限制在一定的范围内，仅仅基于对比的色彩，如蓝色和橙色，红色和绿色。整幅画通过纯艺术的手法达成了一种纪念碑式庄重感。甚至可以被当作一幅壁画。

所有的人物之间看似没有任何联系。左手第三个形象是一尊神像，象征着世界之广义的神性。他们都与周围的环境紧密相连，都是自然的一部分，不管他们做了什么，他们之间有何联系，他们拥护何种宗教，他们都属于、来自自然，并将回到其中去。这是一幅关于尘世之存在的画，是为人类及时行乐的辩护，或者简单的只是表达人类的衰老夺走他们行乐的资本。

1889年6月25日，梵高在法国Saint-Rémy省的一家精神医院写信给他的哥哥Theo，描述他正在创作的画：“两幅深绿色的柏树…我用粗白线条来处理前景，赋予地面一种稳定感…柏树一直在我的脑海中浮现，我希望可以像我画向日葵那样画它们，而我感到诧异的是，从来没有人以我的这种视角画过它们。它们是如此美丽，不管从线条还是比例上看，都那么像埃及的方尖石塔…在这两幅柏树画中，我素描出来的那幅更好。画中的树更显得巨大和厚实。前景非常低，散布着黑莓灌木和枝条。蓝色和粉色相间的天空载着一轮新月，躲在蓝紫色的山峦之后。尤其重要的是，前景使用了厚涂颜料，用黄色、蓝紫色和绿色来表现黑莓的反射。我会寄给你这幅画的素描…”
 

除了这幅在信中的素描之外，梵高也完成了相同画面的另一幅抽象的黑墨粗笔手描（存于Brooklyn Art Museum, New York），这对他来说极其不寻常。这幅使用了厚涂颜料技术的画是在梵高的成熟期创作的最具代表性的竖版风景画之一。它代表了这个荷兰画家首次创作的，同时也是最突出的柏树画作。而相对应的另外一幅，曾被不必要的修改过的，是梵高在1890年2月创作的，在油墨已干之后，他还在树的暗色边缘进行了一点修改，略微降低了画中亮部和暗部的对比。1889年的9月，梵高已经把那幅完成了的柏树寄给了生活在巴黎的Theo。

受日式风格启发的不对称安排，均匀分布的色阶基调，许多笔平行重复刷出的结构分明的、浮雕式的厚涂颜料，最后，两颗外在与内在都精力十足的全能的柏树，体现出了大自然中神性的场面，一种撼动大地的感触。首次在欧洲现代风景画中，这位具有“惊天动地”的感性的画家之情感，标志性的得以表现。

1890年2月2日，梵高详细描述道：“在我画向日葵的时候，我尝试寻找一种同等但完全对立的感觉，我对自己说，那就是柏树。”在这幅于Saint-Rém创作的画中，梵高将柏树这种在地中海的墓园中寻常出现的树，这个黑色的“方尖石碑”，转化为一种“生命之树”，一种生命的象征，而他自己的生命在当时只剩下几个月而已。梵高创作的如此情感丰富的风景画，具有如此动人韵律的形象，成为了树立在20世纪初形成的表现主义画派风格的标准。

思想者可能是罗丹最著名的作品 - 同时也是最能够引发人们思考、推测的作品。对于这个形象，存在着许多尚未被解答的问题（他是谁？他在思考什么？），而围绕它的讨论及各种对其解读的尝试，只不过更加突出了它作为一件艺术作品的重要性。它最早被设想出来的时候，是作为罗丹的雕塑作品“Gates of Hell地狱之门”的一部分，它的意图是展现但丁的“Inferno炼狱”中所描绘的场景，代表地域的入口。但丁曾为其题词“你进入这里的时候，丢弃一切希望”。罗丹最初想表现的是但丁本人，但后来他选择了创造另外一个独立的人的形象，他看上去正在苦思命运，思考存在的意义。当1906年这件作品被放置在巴黎的Pantheon门前时，立即引发了讨论的热潮，后来很自然的被移走，因为它成为了“vandalism破坏艺术运动”的目标。而思想者仍然成为了“plastic arts造型艺术”之全新起飞的一个重要标志。这个整体紧凑的形象以及放松的左手，与身体其他部分的紧张形成了强烈的对比，由此引导向了多种不同的情感状态。

罗丹是19与20世纪之交的雕塑家中的领袖，他不仅对同时代的雕塑家产生持续的影响，对后世的多代雕塑家也产生了深远的影响。他的作品本身体现了来自多种主要欧洲艺术风格的影响。另外，除了印象主义的元素，也可以在他的作品中找到象征主义的内容，以及正在成型中的表现主义暗示。

1952年，Constantin Brancusi（罗马尼亚现代雕塑家）这样评价罗丹“…在19世纪，雕塑曾面临绝望的境地。然后罗丹出现了，并改变了一切。因为他的贡献，人类又一次找到了雕塑中完美的比例…因为他的贡献，雕塑在它自身以及精神含义的层面上，重归人性。罗丹的影响巨大，并将不断持续…”